原版前言

很多人认为，故事片之所以看起来很有电影感是因为它们耗资巨大。而我想通过“大师镜头系列”向大家证明，电影感并不是用金钱堆砌起来的。好的场景，取决于你的摄影机放在哪里，你怎样安排演员的位置。这在拍摄对话场景的时候尤其重要。

学会《大师镜头》里的这些技巧，你就能把对话场景拍得非常有张力：每一个转折点，每一种情绪，每一个细微的意义，都能被准确地传达出来，同时演员也能发挥出最佳水平。

《大师镜头》一经发行，就好评如潮，很快便获得了销量榜的冠军。我收到很多电影人的邮件，赞扬《大师镜头》对他们布置拍摄场景很有启发。很多人说，他们从没想过，拍摄的时候可能有这么多的点子；也有人说，之前都不知道，一种镜头可以拍出如此多的效果。看到这么多电影人都这么有热情去钻研拍摄技巧，我真的非常开心。

几个月之后，这本书在电影学院里盛行开来，很快，我便看到一些学生的习作，他们用了书中的方法，影片质量有了不小的提升。一些获奖的电影工作者给我来信，说《大师镜头》给了他们很多帮助。更令我吃惊的是，有不少好莱坞的导演（都是我敬仰多年的人）写信告诉我说，他们也从书中获得了启发。一位导演甚至表示，他走到哪里，都会把《大师镜头》带在身边。

《大师镜头》不仅仅是给了人们100个可以重复的技巧，更是打开了电影工作者的眼界，鼓励他们在自己的电影中，用新的方法去使用书中的技巧。在读者的来信中，有一个问题总是被不断地提及，几乎每个人都会问：“怎样才能拍好对话场景？”确实，一部电影，如果对话场景拍不好，就不可能成功。所以《大师镜头（第二卷）》便是关于那些能给对话以生命的拍摄技巧的。

尽管《大师镜头》在很多章节里也有关于对话场景的内容，但毕竟整本书不是专门讲拍摄对话的方法的。写完《大师镜头》之后，我导演过一部故事片，也参与过其他很多项目，在这个过程中，我渐渐开始寻找一些有趣的方式来拍摄对话场景，更为重要的是，我想找到更忠实于剧本的拍摄方式。为了写《大师镜头（第二卷）》，我看了成百上千部电影。这本书中引用的每一部电影都有着出色的对话场景，都是值得一看的好电影。

可惜，大部分大片都没有将剧本中的对话场景拍出味道来。场景一开始，有很不错的开场镜头扫过，然后一切就停了下来：摄影机停了下来，演员也面对面停了下来，开始说话。大多数的对话场景就是这般无聊，但这真的是可以避免的。好的导演会知道怎样安排摄影机和演员的位置，以更好地表现出这个场景的内涵。

右边的两幅图是拍摄对话场景最标准的做法，两名演员面对面站着，拍摄每位演员的角度和距离都相同。在本书中，我将这种拍法称为“正反角度拍摄”。

当拍摄时间紧迫，大家都累了，或者导演没什么好点子的时候，会经常出现这种“正反角度拍摄”。这种方法没什么大问题，也能表现出对话的意思，只是，它很无聊。有那么多导演铆足了劲儿想超越别人，但是，当他们拍到对话场景的时候，都采用了这种无趣的标准设置。

人们之所以偏爱这种拍法是有原因的。它拍起来很快，易于操作，如果你对光线也没什么要求的话，那么可以一次把两个角度同时拍完。而且，如果对话内容足够有趣，那么观众也不会抱怨什么的。很多流行的电影都只用了这一种拍摄方式，那么为什么你要做出更大的努力呢？

那些寻找新方法去拍摄对话的导演都很在乎剧本的内涵，他们移动摄影机，排列演员，并不是为了视觉效果（当然，好的画面确实能为电影增色），而是为了通过这样的设计将剧本的内涵表现出来，并给观众带来巨大的冲击力。去看一看本书引用的电影吧，你就会知道当摄影机用一种有创意的方式去拍摄对话的时候，会获得怎样出色的效果。

如果你能很好地排列你的场景，那你就不仅仅会得到最基本的画面，还会呈现出剧本的意义、情感以及戏剧性。在这个过程中，对话是最重要的元素。可悲的是，很多导演一开始的动态镜头都非常好，但一到对话场景就停了下来，采用了标准的“正反角度拍摄”。你一定可以比他们做得更好。

采用新的方法拍摄，也有很多挑战，因为演员和摄影机要运动，录音师就可能会有怨言，会要求你拍一些更近的镜头。你可以听他们的，但也要有勇气拍自己真正想拍的东西。如果你在技术方面要求严格，一些演员就会抱怨踩点太困难。你得与他们沟通，让他们认同你的方法，告诉他们，只有这么拍，才能展现出他们的表演功力。

好消息是，这本书中介绍的所有方法，对设备没有什么特殊的要求。只要有肩扛摄影机，或者加上基本的轨道、摇臂、稳定器，你就可以一口气拍出好镜头。

你可以把这本书中介绍的技巧用于你自己的电影中。我真心希望每个导演都能够调整书中的方法，使它们能为自己的电影服务。当你读完了《大师镜头（第二卷）》，你就会知道，构图、演员走位、摄影机运动轨迹的一个小小的转变，就可能改变整个场景。这就是你的力量，你有能力把个人的意志添加于场景之中，并且最终在大荧幕上呈现出来。

克里斯托弗·肯沃斯

原写于2010年11月

改写于2023年2月