探索“不被定义”的艺术教育(1)

李睦(2)

在“控制”和“失控”中的教学

所有的艺术教学都是在“控制”和“失控”中不断寻找平衡点的过程，艺术教育者最实质的工作就是要平衡两者的关系。

让绘画成为一种“思维习惯”。艺术教育者需要帮助学生建立起“思维习惯”，让绘画成为一种“思维习惯”，这种思考包括在艺术实践与体验的过程中去平衡“控制”和“失控”的关系。但是这样的思考过程也会导致模式，乃至套路的建立，而这些模式，乃至套路却是和美育以培养人的思维为最终目的背道而驰的，如何去改变这样绝对的单纯的控制？

“改变”既是过程也是目的。改变的过程会有各种可能性，教学以改变的过程为目的，教学的结果就会更多样更不同。学生不仅要学会解决问题和困惑，也要学会与困惑和纠结共存，艺术教育与问题和困惑共存是常态，在常态中改变是艺术教育的目的，艺术教育的目的不是功利化地“考学”和“达到某个艺术家的高度”等，而是学会在过程中思考“控制”和“失控”的过程。

不确定性中暗含着“启示”。在教学的“控制”和“失控”的过程中存在很多不确定因素，它们也是艺术教育中要探讨的重点。不确定性是“不被定义”的艺术教育的特征，如何去判断学生身上的“好”与“坏”，如何在达到“共性”的过程中保留“个性”，鼓励个性的发展，对于学生个性的接纳度和宽容度也是重点。不确定性充满了启示、机遇和挑战，暗含了艺术思考，艺术教育工作者通过反思艺术教育的不确定性，平衡学生的个性与共性发展，培养健全的人格，是艺术教育工作者崇高的使命。

瞬间的审美判断

把艺术教育的诉求和审美判断能力做一个衔接，只有通过艺术教育让更多的人具有比较好的审美判断能力，我们的精神生活更加充实，我们的社会才会更好。如何建立和获得良好的审美判断能力？我们在绘画中到底应该学习什么？

教师如何判断学生作品的好坏？教师如何引导学生在审美判断过程中形成一种主动的判断能力，如何教授学生判断自己作品的好坏？这是艺术教育里面一个重要的方面。学生具有主动性去判断自己作品的好坏，可以避免教师的个人好恶成为学生的评判标准。

发现每个人都有的“绝技”；在审美判断的过程中，会发现每个人的“绝技”，“绝技”指的是每个人独一无二的表达方式，即艺术范畴内的“特色”和“风格”。“好坏”和“绝技”的关系在哪里？“绝技”就一定要和所有人认可的“共性”相符吗？“个性”和“共性”的纠结会伴随艺术追求的过程，教师要做的是培养学生的自我判断能力，帮助学生在判断的时候保持住自己与生俱来的“特征”的同时，融入“共性”去被更多的人接受，通过自己的作品建立自信。虽然其他学科的学习也可以培养自信，但是学习艺术确实是最快建立自信的途径之一。审美判断、呈现、表达的灵光往往转瞬即逝，要求艺术教育者要有敏锐的感觉、快速捕捉事物的能力，在学生的审美特点消失殆尽之前，使他们建立自信，把易逝的瞬间变成永恒。

做唤醒他人潜力的人

成为能发现“差异性”的人。

差异性和共性是艺术教育者应该思考的一个重要问题，艺术教育不能致力于把所有不同的人变成相同的人。

不同的人去描绘同样的事物，画面之间呈现的差异性是艺术的魅力。

差异性是创作与练习过程当中最珍贵的因素，一个人潜在的能力会从中不经意地流露出来。艺术教育者是不是能敏锐地去观察、发现并找到差异性？

人的这种潜在的能力也就是人的天性。当我们谈到一个人是否有天赋和才能，具体指的是什么呢？艺术感知与表达差异性可能就是一例。

差异性引发艺术教育中的思考，要在“消灭”和“纵容”差异性之间找到一个平衡点，即具有能将“个性”融入“共性”的能力。

能激发他人主动创作的能力，能唤醒他们珍贵的天性，是教师的天职。

作为艺术工作者的我们应该反思，人类艺术历史当中大家能够认同的一些“共性”，全部是从一个个具体的“个性”开始逐渐形成的，由潜在生成到逐渐地磨合融入，形成经过历史沉淀的“共性”。如果我们在一开始就致力于消灭差异性，一开始就把一个人潜在的特点都抑制住，都桎梏起来的话，就不会形成属于更多人乃至全社会认同的共性了。

从差异性这个角度入手来考虑我们的教学，会使艺术教学更生动，更有趣，学生和教师的主动性和热情也会被激发起来，最终激发师生双向的能动性。

作为艺术行为的绘画

（一）绘画是艺术家“洞察力”的体现

绘画是艺术的行为，只注重绘画作品（目的）而不注重绘画的行为（过程）是不全面的，绘画的过程也是一个认知的过程。

绘画是描绘事物之间的关系，培养人的“洞察力”。凡·高说“绘画表达的是眼睛看不到的事物”，光凭这句话凡·高就应该流芳百世。

从绘画中可以看出作者的观察力，对事物的某些方面“视而不见”，而对另一方面“情有独钟”的观察方式。艺术家能看到很多人们熟视无睹的东西，经过艺术训练过的人、具有一定艺术素质的人会用艺术的方式去思考生活，理解生活，并像艺术家一样去思考。每个人都有用艺术去思考的权利，用艺术方式去认识生活、理解生活的权利，也可以解释为每个人都是艺术家，这也和洞察力有关。

艺术的生活化，是艺术历史进程中的一种追求、一个理想。

（二）更接近艺术创作的“绘画行为”

我们是不是把绘画本身当作艺术行为呢？人们往往更多地会把绘画的结果即绘画作品作为艺术，而不把绘画作品形成的过程当作艺术来对待。如果我们把绘画的过程当作艺术行为来思考的话，那么这个过程中的每一个环节都会被充分的认识、分析和研究。

先要有呈现，然后才会有呈现基础上的理性思考。如果我们呈现的不是自己的直觉判断，不是自己本能的艺术反应，那么我们很可能呈现的就是从别人处因循而来的知识和经验。艺术教育，如果仅仅是在别人的知识和经验基础上进行分析思考，那就只能是死记硬背、只能是套路，就不会达到艺术教育本身的目的，也就与美育的本质相去甚远。

绘画的过程中有很多值得思考、值得分析，这个过程可以被当作艺术行为来对待。以重视绘画结果的态度去对待和审视绘画过程，可以使我们收获更多，那么我们的艺术教学本身会更具凝聚力、说服力，更具创造性。

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(1)　本文于2020年发表于微信公众号“艺术的启示”，经作者授权，收入本书时有修订。

(2)　李睦，艺术家，清华大学美术学院绘画系教授、博士生导师，美术学院学术委员会委员，社会美育研究所所长。教育部优秀网络公开课、精品课主讲人。